Антонио Феррера Кабельо
Сантьяго-де-Куба красивый город расположен между морем и горами, между синим и зеленым цветом. Для того, чтобы понять, что город и его художники, ее особые геологические и архитектурные особенности мы должны добавить сильную личность и световой, красочные, экстраверта, шумно приветствуя и настройки.
Антонио Феррера Кабельо поет города и его жителей. Изображая бывший, он радуется в самых невероятных, но реальных пространств, в красноватый тон его местного производства черепицы, в 100-летний балконах, в булыжник износятся непрекращающейся приездов и отъездов своих жителей и любопытных посетителей крутые узкие улицы.
Он захватывает город душу, как никто другой, вне всяких видимых форм. Глядя на его картины, мы забываем, что картина является 2-мерных, как мы "проникнуть" в этих идеализированных панорамы, где всегда в полдень и все, кажется, дремлют в ступоре сиесты. Но, что ВС не горит нас. Вот как приятно в Сантьяго Феррер есть.
В связи с этим, Хорхе Идальго комментарии:
Есть некоторые городские пейзажи в Феррер, что я называю "крыше ландшафты", потому что ясно, что он нарисовал их из своей студии или какой-либо высокой точки, и они впечатляют. Это то, что никакой другой художник достиг, даже не золотая акварелистов, как я называю Эрнандес Гиро, Бофилл и другие, которые - хотя они хозяева - не изображали, что Сантьяго-де-Куба, что Феррер захватывает с крыш домов.
А Юля Вальдес добавляет:
Никто не является настолько же искусным в захвате города светимости нашей и яркие цвета в этих пейзажей, и с точки зрения состава, городской архитектуры и контуры земли. Его удар является динамичной и, я бы сказал, что его последний этап более смелый, чем предыдущие, и его палитра гораздо богаче. ...
Феррер Кабельо создает образы Карибского бассейна. Лихорадочно уделяют им, он копался в иконографических мире, который все богаче и разнообразнее, в постоянной эволюции. Мужчин и женщин, которые вставляются в городе, как если бы он был огромный, красочный вентилятора. В тщательного подробно, он исследует возможности, предоставляемые его окружением. Ничто не укрывается магистра палитры: карнавал, кубинцев радость и любовь к народу. Он дал нам огромную коллекцию портретов заметных персонажей из Сантьяго-де-Куба и других широтах, а также ласковый вид на округу. Феррер кажется, чувствуют постоянную потребность раскрыть саму жизнь. Он является человеком в своем 90-х годов, который родился в день, создавая сцены с изображениями, которые являются значительными, среди прочих причин, в свою документальную ценность.
Его произведения, как окнами на мир, помогать нам формировать наши ценности и в конечном счете, наше сознание. Этот мастер имеет постоянную потребность найти сущность реальности окружающего нас, часто вникая в ее содержание описательной. Феррер представляет нам свой мир, который, кажется, неисчерпаем.
Хосе Хулиан Aguilera Висенте
Сезанн показал нам, что художник может быть разумным сосуда природы, он понимает важность противостояния между драма идей и субъективного сознания. Aguilera Висенте, длинные, плодовитый жизнь воплотилась этого противостояния, изучил новые пути к их полной и - как результат этих головокружительных странствий - дает нам богатой и разнообразной культурной продукции.
Технику гравюры нет секретов от Aguilera. Его произведения не только рассказать историю города, через сильное конструктивного ткани он включает в себя образы лишены связи, как информационный материал восприимчивы к новым и менее понятны чтения, выходя из новой логике, компактный и существенными. Его усилия настолько новаторской, его неустанные дух такой молодой, упорный и постоянный, что его работы проводят собственные отношении тех молодых современников. Его сын, выдающийся художник Карлос Сантьяго Рене Aguilera, замечает:
"Несмотря на несомненные зрелости [его] части, они обладают свежим и молодым экспериментов. В них Aguilera вопросы некоторые вещи о человеческой жизни, как и в серии Лланто Por Muerto (Плач по смерти), в другом-эс-де-Nada Nadie (Ничего не принадлежит кому-то), он решается на минное поле представлений об оригинальности и манипуляций.
"Надо представить контексте Nada-эс-де-Nadie, время, когда художники были полны решимости найти бесспорные формулы для оригинальности и индивидуальности. Вдруг, Агилера занимает вещи из контекста и начинает сопоставлять морфем работ живое и действенное кубинских мастеров, заявляет, что "ничто не принадлежит никому" таким образом - без [Юрген] Хабермаса или [Умберто] Эко на его книжной полке , как можно было бы сегодня, - и интуитивно исследует понятие как сложный как "присвоение" без маркировки ее как таковую.
"В этой галерее в Гаване, критики умышленно Aguilera сравнению с хозяевами, которым он говорил, может быть, ожидали негативную реакцию со стороны последнего. Но на самом деле, их ответ был один поддержки его смелые и глубокие размышления о структуре оригинальность ".
Влюбленный в свой старый город, он совершает это с помощью различных художественных техник. Он удивляет нас своими жестокое обращение с предметом отчуждения человека, в котором все надежды духовного выживания, кажется, исчез. В своем экспрессиониста гравюры, появляется человек брошены на свое одиночество и его свободы (эти особенности являются признаками зрелости его полностью), и "выражение лица героев показывают, что они не знают ли повернуть обратно или продолжить вниз по тропинке. Мы столкнулись с смелые произведения искусства чревато неопределенности и двусмысленности; жесткий и молчаливый, авторитарные и загадочный, которые сопровождают человека в его путешествие по современной пустыни.
Это страстный художник, кто призывает к возвращению к темной местности боялись современной прагматической человек. Это работа из тех, кто понимает, ложные основы, на которых поддерживается действительности, художник, который ищет человека свободы, а не в собственность, но участия. Чередование от маски, он противостоит человеку в его скрытый смысл.
экспрессионист работы Aguilera подчеркивается наличие экзистенциального разделения и фрагментации. И, как Октавио Пас отметил, фрагментация "является самым совершенным и яркие выражения нашего времени".
Мигель Анхель Botalín Pampín
Мигель Анхель Botalín является горячим студент города структуры и физические свойства. С одной стороны, он изображает городской реальности и контур, формирователей архитектурного пространства. С другой стороны, он пытается передать значения баланса, расстояние, форму и пропорции.
В художественный анализ своего города - города, который он считает это живой организм, - мы видим, что в первую очередь он подчеркивает то, что мы могли бы назвать его анатомии: узкие улочки стиле колониальной, холмистые улицы, в солнечном проходах, крыши - в других словами, в городе, как инвентаризация.
Но Botalín также изображает, что мы считаем города физиологии: роль улицы, драматические и коммуникабельный. И он движется от физиологии к психологии: улицы, как драма, как внутренние Писание города. В этих элементов городской истории написано, и повседневные события, которые характеризуют его жителей. Улицы важны, как инвентаризация, они имеют такое же форму и жизнь, как дома, между тем, в их официальное представительство их вертикальность и глубина звучать. Таким образом, анатомии, физиологии и психологии создать целый выявления жизненно важных сущность города.
Иными словами, Botalín представляет для нас город, который знает свое морфология, тип конструкции и ее относительное пространство. В своей работе мы видим город, как это: пространственная структура, коллективный человеческий достижение продлен до времени.
Его полотна должное точности, на минуту описание, и он преобразует города в виде света, в котором поэзия и архитектура являются два конструктивных искусств же онтологической категории.
Botalín в сити-лайт, полностью любил, изучить и воспринимается, подтверждает мысль, что его городские пейзажи являются психические концепция построена на ассоциации воспоминаний, а не на географических слоев.
Существует большое знаковых интенсивности в отличном художника работы в этом, что выходит за рамки того, что описано и сама становится реальностью.
Мастерства он достиг позволяет зрителю не только увидеть пейзаж, но и стать его частью. Как и в реальной жизни, зритель впитывает солнце интенсивности, является ослепленный светом, и даже получает от жажды подняться вверх по крутому душным улицам, лишенной тени в зной полудня. Botalín так мощно наводящий потому что он обращается не только зрение, но и память, понимание и опыт, особенно если зритель из Сантьяго-де-Куба.
Пользуясь своеобразной алхимии - техническое мастерство, точные удары, а насыщенный кисти, и белое, горячее палитра - он, несомненно, один из самых выдающихся культиваторы города этого жанра.
Является ли Мигель Анхель Botalín романтик с археологом дух, или реалист? Мы не знаем. В любом случае, он художник-застройщика, который идентифицирует себя с своем городе, и которые, в дополнение к живописи он обитает каждый бит на его территории.
В магистратуре работы этого прошлого сливается с настоящим и простирается в будущее. Его это время без швов, единым и глобальным. Он концентрируется на том, что время лежит между воображением и определенность, предлагает нам образы наших вечных Сантьяго, окончательно захватили в своем любимом мнения.
Рейнальдо Паган Авила
Без сомнения, Рейнальдо Паган, один из выдающихся постмодернистской Сантьяго большинство художников. Во время интенсивного и плодовитый карьеры, он решился почти на все направления. Он знает и изучил практически все в тайны живописи. Он отбираются и ассигновала элементов, а в некоторых из его произведений он освещена экзотических восточных кубинских элементов с большими дозами иронии и эротики. Повседневная жизнь такова тема некоторые из его частей, возможно, намекая на его собственное детство и, указывая на насилие возможно пострадал сам художник или других, он знал, и почти всегда связано с наличием бара или рельсы ограничения пространства. Люди субъектом и объектом анализа чаще всего связана с физического и эмоционального желания и потребности, будь то явные или скрытые.
Паган создал эзотерический характер, андрогинный время соединенных дерева, вне времени и безликими. Это манекен, что он управляет по своему желанию, которое является выявить различия ситуаций и значения связанные с процессами современного человеческого бытия. Вместо того, чтобы о том, он предлагает: фигура одета, играет женщина-скрипка, сюрреалистический объект тревожные внешний вид, или он становится жертвой мощной сексуальности гейши, который доминирует ним - он лежит у ее ног, пока его цвет пола и она, мощная женщина, использует его, чтобы удовлетворить ее плотские аппетиты. Он может быть активным, в предварительном порядке проведения послушный юноша между ног, либо он может считать отношение рыбака в известных картина Пюви де Шаванн, и ждать в лодке необходимых продуктов питания, что он, предположительно, получить от моря, в то время как элементы чуждой оригинальные работы добавил, что свидетельствует смерти и секса. Кроме того, андроид олицетворяет революционный убит Марат, увековечил Дэвид в своей знаменитой картины.
Сюрреализма и экспрессионизма имеют сильное присутствие в работу язычником. Экспрессионизм проявляется в деформации и официальных преувеличения, затрагивающих фигуры и цветовые решения, иногда искажают рассматриваемому вопросу; сюрреализм раскрывается через множество элементами абсурда. Обе эти тенденции взять зрителя от темного моря, зараженных рыб угрозы для человеческой общины, завернутые в их разочарование - в свою очередь, принять лживой формы счастья, появляясь как яркие шары сближения в воздухе, блокируя доступ к небу. Зритель сталкивается также с группами людей, которые все с тем же выражением паники, держитесь крепко, чтобы по-видимому безобидный стул.
Сквозной темой является то, что от исхода, транс-территориальности, так часто, чтобы жители островов, который генерирует наводящий изображений и символизировал через значительные элементы, такие, как весла, которые, в работу языческие способны делать судоходных любого объекта: королевские пальмы; мертвых людей встань, как женщина, которая цепляется за весла, желая избежать даже ее собственного саркофага вступить в миграционной лихорадки. Другой наводящий изображений является то, что о Холокосте в море, созданные нашими состоянии жителей острова, которые в данном случае символизирует бумажный кораблик переполнен бесконечности существ, паника проявляется на их лицах, кроме того, газеты, откуда лодка сделал несет текст, который усиливает сообщения.
Подобно тому, как экзотику принципиально представлены через личности которых сексуальность часто неоднозначной, повседневной жизни также присутствует в его произведениях. Показаны отсутствие связи между парами, сексуальные расстройства, арахис поставщика, практикующий Santeria и ее украшения ритуал, неустойчивым печи домашние, старая пара отдыхает на скамейке в парке, женщина вязание, и другие изображения формирование иконографии повседневной жизни .
Рейнальдо язычник, хорошо подготовленных художником с четким мастерства кубинцев и универсального искусства (он воздает должное Марсело Pogolotti и Анхель Леон Акоста), и он передает свои послания через методы, которые почти всегда в соответствии с выбранным темам. Он одинаково хорошо функций в классическом мазок и в агрессивных экспрессионизма. Он регулирует состав его интересам, он меняет цвет, чтобы отличаться семантической силы. Его официальное и концептуальные решения дают возможность, с любой точки зрения реальности, с учетом, улыбаться и думать о экзистенциальной тоски, которая угрожает в современном обществе.
Quiala Брукс Joherms
Joherms Quiala Брукс, который признает, страдают от своего рода "Дали эпидемией", сочетает в себе его визуальное послание с его культурный опыт, и, прежде всего его критических замечаний. Как Дали, его образы являются субъективными, с тяжелым семантической силы. Как и в каталонском, он формального обучения, что позволяет ему создавать образы красотой и мастерством. Он использует то, что в других художников будут устаревшими для достижения эффективного и поэтических образов. Он виртуоз кисти, чьи работы соблазнительной и интригующей, представляя тайна, которая должна быть разгадана, чтобы воспринимать правда смысл художника.
Среди тем Quiala снасти являются секс-торговли, использование доллара на Кубе, элемент, который агрессивно, но, как всегда по настоящее время, узнаваемым, безопасные и постоянной, так как правительство при поддержке рацион питания системы в пределах нашей плановой экономики. Он также сделок с кубинским пейзаж, Вавилонская башня, как символ утопии, автопортреты (художник чувствует, что он должен описать себя), а также периодических элементов: плащ из элегантной ткани и царственно драпированные, взяв на себя очень наводящий телесности которые в некоторых случаях кажется, для покрытия невидимой форме. Это способ скрыть что-то, или один из различных религиозных символов появляются в его работе? В любом случае, этот элемент кажется законным путем своим присутствием, действия, происходящие на Земле.
В одном из своих пейзажей, этого художника, с его великой религиозных чувств, показывает, что Христос на кресте, заменив серп для гвоздей. В другой пейзаж терновый венец, спускается с небес и аэрозоли кубинской деревни в крови. В ходе еще одного ландшафта, который вполне может считаться завершением трилогии, рука появляется в небе держал кусок кожи, двойной смысл возвращает нас на несколько изображений Дали, или "критической паранойи." Эти три мучительных видений погруженного в христианском духе и со ссылкой на конкретный момент распятия.
Как и во многих других кубинских художников 1990-х годов Quiala использует доллар внезапного присутствия США в кубинской жизни выразительных ресурсов, которые он выражает в основном по двум темам: торговать своим телом и агрессивные эффекты доллара на сельской жизни, которую он изображает в подробном , гипер-реалистичный образ. Агрессии вытекает доллара введение предложения продажи и потери идентичности. Конденсированных капли воды держится наше небо, предлагая комфорт, но с противоположными намерениями, но это не мешает нам наслаждаться иллюзорной конфигурации, что он создает.
В ряде работ, он использует технику постмодернистской интертекстуальности: Христос окрашены в византийской коды, погруженный в реалистический пейзаж с черной Африки, на другой холст, неоклассической пейзаж пройденный мачете для рубки сахарного тростника, лечившихся в классическом стиле от поп-арта комиксов и фильмов. Еще одна картина возвращает нас к Джеффа Кунса в один мяч Всего Равновесие Танк. Без специально намекая на известные бренды, он вызывает соблазн потребительства благодаря присутствию консервов напитков, которые, на открытом святотатство, подаются в небесной ребенка и обеспечить освежающий моменты земных детей и взрослых. Кроме того, могут находится в славном двусмысленности окружен терновый венец. Художник критикует и расшифровывает дух потребительства как часть жизненной сага современного человека. Он понимает и отражает процесс, который ведет индивидуальный превратиться в субъект потребления, и это интересное концептуальное предложение.
Работы Quiala являются важным целом, в котором каждый из элементов, приобретает различные эстетические чувства и мечты, как преображение движется вниз к счастью путь в искусстве, не становясь милый и гротеска.
Гильермо Орландо Пидра Лабаньино
Работы Баракоа художник Гильермо О. Пидра отличается приятным экспрессионизма и разноцветные композиции. Одна из его целей, как представляется, чтобы изобразить символ кубинского через лица трудолюбивые крестьяне, которые смотрят на нас с добрым и честным выражений в открытом противоречии с их мощными фигурами. Среди кажущемся хаосе, элементы, которые занимают пространство организовано с очень личной композиционной логике, передавая динамику за счет использования в теплых тонах и интенсивных тропических света. Одной из особенностей является использование четкую линию, которая подчеркивает субъектов силы.
Он сам объясняет, что для достижения желаемого эффекта он использует шпатель, кусок мешковины, кисти ручку, краски трубы. В результате манипуляций с живописной материала, что придает необычный анимации, жизненность, является наиболее отличительной чертой его сочинений.
В отличие от своих пейзажах похвастаться четкого баланса, в составе, а также в использовании цвета, таким образом, передачи смысла мира, который, видимо, не могли сломить любую силу природы. Акварели братьев Хуан Эмилио и Родольфо Эрнандес Киро оказала большое влияние на Пидра Лабаньино, вдохновляющей его на создание очень визуальных сцен, которые могут соперничать сама природа, через отличную управляемость цвета.
Roel Caboverde Yacer
Баракоа, где Roel Caboverde Yacer родился, одна из самых красивых регионов восточной части Кубы. Все здесь дышит жизненной силы, изобилия и цвет.
Это трость катер повернул искусства инструктор основное внимание уделяется его острый глаз на воображаемом мире, что говорит о его традициях. Именно поэтому его темы настолько просты, что отражает универсальный опыт региона крестьян и рыбаков. Какие ограничения можно поставить на художника, который живет и работает в окружении величественных гор и интенсивно синем море?
Caboverde краски стране праздников; кропотливую работу по плантаций сахарного тростника, в затененном плантации кофе, а в море - как правило, предшествовали тендер прощания петушиных боях; свободное время усугубляется звуки Наигравшись гитара, шашки и, конечно, сильно эротический сцены, в которых женщины ждут мужчин вернуть. "Я человек, влюбленный в жизнь и женщин", сказал он.
Его техника практически не меняется из одного куска к другому. Он верен экспрессионизма маньеризма в результате преувеличенными удлинение человеческой фигуры, деформации, что придает большую представительскую силу.
Иногда руки своих подданных напоминает выдающегося эквадорского художника Освальдо Гуаясамин. В дополнение к его композиционных навыков, своими громкими использование цвета придает много драмы к своей теме.
Его состав очень ясный и приказал, с четкой дифференциации самолетов. Несколько характерных точек зрения кубизма изобилуют любопытные работы, в которых архитектурный элемент занимает центральное субъекта голову. Его экспрессионизма основывается не только на деформированной лица: некоторые цифры, спиной к зрителю предположить позы обозначающие суровых физических усилий, работающих в тростника. Это устройство, используемое иногда и Пабло Пикассо.
В его живописи, он также занимается с любовью и грустью, принципиально через женщин, как молодая женщина, которая ждет, ню, для своего возлюбленного в середине тростника.
Caboverde в живописной части имеют выразительный гротеск присутствия, созданная преувеличенными анатомические деформации. Это может быть истолковано как эффективный способ привлечения внимания к тем художника и делает свою работу безошибочно его собственные.
Рубен Мануэль Бельтран Герра
"Manzanillo имеет яркий, интенсивный свет. Она никогда не останавливается, даже в тени ". Человеком, который сделал это заявление родился и жил с ослепительной ясностью Карибского моря освещающей, что 200-летний город.
Рубен Герр Бельтран создает изображения с безупречным мастерством и четкое призвание ландшафтов. Он радуется перспективам зеленой растительности и старые дома с красными крышами и большими окнами, украшенный железное изделие, где с течением времени оставило свой след на стенах износятся до кирпича и раствора, малых городах с булыжником улицах или грунтовым дорогам, которые способствуют одновременно в сельских и городских спокойствия комфорта. Его эстетическое кредо включает рациональность элементов и представительские синтеза.
Его пейзажи проникнуты совершенно спокойно, что ничего нельзя изменить. Его состав прекрасно организована, с диагоналями укрепления чувства равновесия. Эта атмосфера дополнена четким и интенсивно голубого неба, а также тщательного мимикрия.
Его текущие сон это идеальный город - по его словам, не существует, но находится "между Сантьяго-де-Куба и Мансанильо." На одной из его картин, которую он представляет, что идеальный город сюрреалистически, в стиле барокко, в котором состав зданий, кажется, выходит спонтанно, без учета соседних строений. Одним из достижений Бельтран оказывает собрались - и порой даже смешанные - классический городской символики с иконами и особенности мнимой города.
Работы Бельтран содержат множество увлекательных элементов, с явным стремлением к деталям. Хотя задача определения пейзажной живописи по-прежнему трудно, тот факт, что в настоящее время изучается помогает сохранить его важное значение.
Альфредо Санчес
Этот художник, который утверждает, что театральный дизайн своей жизни, делает картины характерны стадии состава, во многих ярких цветов. Использование нескольких элементов из Шагала, Санчес создает экспрессионизм, который только ему, в которой линия играет соответствующую часть, динамично разделения пространства. Пара лежала лицом к лицу и левитации, как знаменитого русского художника Париж из моего окна "; бродит певец кто принимает позу Зеленый скрипач; любителей среди цветов; обнаженная женщина с голубой кожей лежащая вяло против бамбуковые шпалеры; цирк атмосферу; воркование влюбленных; крестьян; видение города с пустыми зданиями и наложенных цифры: темы осуществляется в стиле Давида Саль, используя фрагментации, так как текущие устройства, хотя неясно, является ли это для декоративных целей или просто отвлечься.
Что касается техники, Санчес отметил, что он, как правило, matterist, создавая объем с цветами, или с помощью точечной как способ привлечения вибрации и мобильности на холсте.
Иногда он усложняет сцены так, что зритель должен сделать многое декодирования. Он не дает глазам отдохнуть в любой момент, а, наоборот, он заставляет нас изменить наш взгляд постоянно в поисках согласованности, ведущих к конечной понимания данного вопроса на руку. Таким образом, агитация является общим знаменателем для всех его работы. Можно было бы предположить, что его сильно хроматические картины агрессивным, но вместо этого, есть любезностью, что последствия просмотра, учитывая, что эта процедура, с ее ритмической спонтанность, может быть игривой и даже увлекательно.
Альфредо Родригес Седеньо Сесилио
Альфредо Родригес, кто никогда не имел формального обучения искусства, вобрала в себя кубинские и международные традиции пейзажной живописи на основе изучения цвет пластинок и библиографического материала. Таким образом, он получил влияние барбизонской школе, 19-го века британские художники и самых известных кубинских художников в этом жанре.
Учитывая, что отсутствие профессиональной подготовки, технических навыков он приобрел удивительные. Он создает панорамными видами, в которую он вставляет крохотный, но точный представитель элементы кубинского сельской местности - пальмовые хижины, крытые соломой, а также королевские пальмы; телегах; ручьев и мостов; ежедневные труды, топографических контуров - и через них он демонстрирует глубокую любовь его причастности необратимо к ландшафту он воссоздает.
Один из самых впечатляющих работ показывает, крылатые, но отдельные острова, которые тщетно пытается следить за стаей перелетных птиц в полной мере пользоваться их свободу полета. Это воплощает в себе большое противоречие: на острове показан как плавающей пространстве, в значительной степени сдерживается фрагменты стены и на его зеленой поверхности, среди бараков, пальм и тропических деревьев, гигант, мощная крыла тщетно пытается взять полета . Несмотря на различные элементы, часть функций в целом, детали, нюансы и интенсивности находятся там с ясной цели, и всегда хорошее преимущество.
Другой в значительной части Альфредо Родригес, полное символизма и признаки, также пейзаж, но с твист. Он расположен на скатерть, большой прямоугольный стол, создавая постоянный диалог между движением и неподвижность. Он выражает разноцветных жизни динамичный характер, а также застой - с человеком, чтобы одна сторона - конвертирует сцены во что-то стабильное и постоянное. Общий эффект весьма элегантно.
Другой его любимой темы руки. Если бы мне пришлось классифицировать эти сцены, я бы поставил их в широкую классификацию экспрессионизма, а зритель может легко понять.
Как и все художники экспрессионист, Родригес интерпретирует реальность, извлекая ее из природных, культурных, экологических и профессиональным окружением. Он берет руками из контекста и помещает их в вневременной аспект. Они становятся напряженной мышечной структуры приостановлено в пространстве и времени, без заметных настройки, без перспектив, без поддержки. Они искажены мышцы, скрученные и мучительные корни, руки поддельных трудового которые занимают мнимой и тревожные атмосферу, а также высокой степени эротично.
Наибольшее значение из этих элементов является сочетание факторов, которые позволяют художнику для достижения своих целей с широким спектром эффектов.
Маркос Павон Эстрада
Родился в бедной крестьянской семье - что в дореволюционной Кубы лишили его всякой возможности образования - и инфицированных в детстве полиомиелита, Маркос Павон сталкивается с печальной реальностью. Когда ему было всего лишь несколько лет, кисти заменить игрушки у него не было, и он самостоятельно научился рисовать. Его очень ограниченный отсчета питалась с легендами, что сельские семьи переходят от одного поколения к другому: истории эльфов и привидений, ведьм и привидений.
В 1963 году, когда образование стало свободно доступны для всех кубинцев, независимо от пола или социального статуса, Павон взял первые уроки искусства, а пациенту в ортопедической больнице в Гаване. После своего возвращения в Ольгин провинции, где он родился, он получил специальное образование, а после окончания института он устроился на работу, что мешало ему в тесном контакте с миром живописи.
Существует никаких сомнений в том, что жизнь этого трудолюбивого художника является уникальной. Он говорит, что картина является проблемой, но он всегда удается. Его жизнь и вызов, и ему удалось. Невозможно использовать свои руки, он держит кисть ртом, и по-прежнему неустрашимый несмотря на трудности.
Предметом его работы часто Мучительно больно, как и живопись мать, крики отчаяния с самого ее кишки и может даже поколебать корнями деревьев. Она держит два убогих, инертных детей, которые вполне могут представлять усеченные, непоследователен и жестокого детства страдал сам художник. Лицо женщины, взрывающихся от боли и ярости, обращается с точным, интенсивно экспрессионистской линии, которые кажутся слезу в фотографию. Существует сильный контраст между хроматические центральной фигуры, окрашенные в желтый, а также витая дерева, так же сильна, как она, окрашенные в серо-голубых и создания сильного и сбалансированного состава. На заднем плане, стройный пальмы и силуэты гор ясно, что эта трагическая сцена проходит в кубинской деревне.
В другой его части, влюбленные объятия нежно, счастья застыли на их лицах. Встреча проходит в заводские настройки, на фоне трубы извергали дым. Это обеспечивает идеально сбалансированный состав, и чистые цвета подчеркивают работы послание.
Другим его любимым темам, сельский труд. В разноцветные композиции, две крестьян расположены очень близко друг к другу. Хотя на первый план один из них положив руки на книгу, другой посадки саженцев. Являются ли они как-Маркос Павон? Они делают то, что он хотел, но никогда не может сделать? Является ли это намек на грязной жизни трюк играет на него? Вновь Есть четкие линии, которые подчеркивают молодых работников мускулатуры, а также витая ствола дерева, и гор контура, окрашенные техники колеблется от точечной к длительным направил удары.
И есть мир эльфов, отражающие детства они жили в "очарован глазами крестьян, в свисте ветра, пряча свои лица, в течение дня, появляются и исчезают, меняются и исчезают, как солнце освещает землю.
Этот исключительный художник, образец мужества и постоянства, представляет нам объем работы с глубоким смыслом. Он затронул вечные человеческие темы, те, которые определяют наше существование. Эти темы любви, боли и труда.
Хорхе Луис Эрнандес Pouyú
Pouyú, who declared his break with figurative art in 1998, presents us – through his series Motivos Reales (Real Motifs, 2000-2002), consisting of about 30 pieces – with a new stage of artistic creation in which he feels “free and unfettered.” This freedom of choice has led him down the difficult path of abstraction, from vitalist and intimist positions. His work still responds to his need to express himself; through his work he intensely communicates his reality. It is not by chance that this series is entitled Real Motifs.
The artist, whose technique involves gesture and matterism, is the first person awaiting the result of his acts upon the canvas, since he has no preconceived notion of what he will paint. To a large extent, the pictorial elements flow and overlap somewhat spontaneously, with chance playing a large role in the work's final outcome. Enticing images emerge, greatly influenced by the titles (which reveal that he is an avid reader); his visual metaphors constitute a real challenge to those viewing the work.
His paintings, intended more for visual enjoyment than for interpretation of symbols, are full of lyricism, and unforeseen structures emerge. They are sets of signs, consisting of shapes and colors that reaffirm the concept that a painting exists only to be viewed.
Pouyú paints with honesty, without concessions or flattering formulas that his interior truth would not permit. He obeys an ethic that should not be confused with compromise. His goal is “painting” – in other words, affirming artistic values (always in a dialectic struggle between doubt and certainty), in order to create new spaces resulting from his capacity for innovation and his will to express himself in his own language.
The painter often insists that he is an expressionist to the core, and he interprets reality by isolating it, within its surroundings, from its emotional context and its environmental circumstances. Through form and color, he has created a magical space where his Real Motifs develop. At times violent, they do not tolerate any indifference and on occasion they betray a contagious melancholy, while at other times they communicate optimism. Thus his painting, in its current phase, exudes a semantic ambiguity and, facing the new millennium, the artist demonstrates that he has achieved a greater conceptualization of the motifs he has undertaken.
Eddy Ochoa Guzmán
Несмотря на то, что можно было бы подумать, Эдди Очоа не hyperrealist художник, он сам подтвердил этот критерий. Indeed, if we compare his work to the hyperrealist or photorealist pieces by Malcolm Morley – who initiated this trend – Ochoa's astonishing landscapes have nothing to do with that form of painting, which emerged as an echo of pop art and is the product of a consumer society that tends to subject its subject matter to the fierce dictatorship of photography, simultaneously dehumanizing the theme by rejecting all points of contact with the normal representation of the human presence. This trend, also called “cold realism,” almost always puts its subject in an urban setting, assigning it a leading role, stronger than the role of humans.
Ochoa could not be identified with this trend, either in his themes or in the technique he employs. His main interest is capturing our beloved landscape, which José María de Heredia praised in his famous “Ode to Niagara.”
Of all the possible media on which one can paint, Ochoa chooses to express himself through oil on canvas, in a medium-sized format.
Painted in an intelligent, well-conceived plan that is never ingenuous, his Nocturnos (Nocturnes) spark a restlessness inside us, despite the apparent tranquility of the landscape. That restlessness comes from the light that transgresses conventionalism and fluctuates between reality and unreality, reflection and questioning, because that peculiar illumination makes us wonder, “What is it? Where does it come from?” The answer would clear up the mystery that transcends these pieces. We note that surreal luminosity in Ensueño de la tarde (Afternoon Dream), limiting space, defining planes, denoting contours and allowing this perceptive and skilled artist to revel in the details of his impeccably crafted work, which is simple in appearance but also quite profound.
He is an artist who, from a position of radical independence, confers knowledge on painting, embodying a principle of Cezanne's in his pictorial treatment: he constructs masses and volumes through color, while his fine, precise sketches center on psychological evaluations of his admirably portrayed landscapes.
These works reflect the confidence of an artist devoted to the daily task of painting. Repetition builds skill, which – when combined with sensibility – makes it possible to work miracles.
Danis Montero Ortega
Whenever artist Danis Montero seeks our attention, it is in the name of landscape painting. At this time he uses mostly oils and acrylics, adding textile effects that sound a dramatic note. After going through various stages, currently the painter catches our attention through the ambiguity of his attractive but enigmatic landscapes, the fruit of an inexhaustible inspiration belonging not to the natural order, but to an imaginary one.
In the series Concreciones (Concretion), we are invited to move into hidden reaches, to discover and capture the essence of the landscape, which is concealed behind the evocative appearance of these images. We wonder whether we have “seen” the real landscape. This may be the artist's intention, arising out of his great capacity for invention and his determination to speak in this suggestive language.
These forms, which appear to us as natural or architectural, emerge mysteriously from the represented spaces, full of sensual connotations. His creative method consists of gestural brushstrokes, letting the details flow with absolute freedom. Apparently dissatisfied with the art around him, the painter searches for themes from within himself, in his own potentialities, letting his vital force guide his hand in the creation of Concretion.
This technique has fostered the emergence of images that, although vaguely familiar, reveal a new type of landscape painting with a wise compositional strategy, in which it is possible that the line takes on greater importance than before. The somber colors to which Danis has accustomed us is softly seductive; the light that brings to life well-designed forms helps to highlight a skillfully achieved combination of transparency and opaqueness.
On this occasion he reveals a new approach to composition, incorporating figurative and abstract elements. He has broken with traditional watercolor techniques through the insertion of experimental formulas, including textile and collage.
Upon the unpolluted white of the Bristol board, the range of blues and grays, yellows and ochres strongly reinforce his message: the environment is in real, not imaginary danger. His aggression takes on definite but perfectly recognizable forms. We are surprised by a human figure, always absent but necessary here as an attacked or attacking being, or expressed through an abstraction filled with lyricism and drama.
His large and small pieces, figurative or abstract, alert the viewer to the catastrophe to come. Humanity's future is endangered. All of us, at Danis's side, must save our landscape, which is tantamount to saving life.
